lunes, 22 de diciembre de 2008

Muere el director de "Matar a un ruiseñor"



El cineasta neoyorquino Robert Mulligan falleció el pasado viernes a los 83 años de edad. El director de clásicos como Matar a un ruiseñor o La noche de los gigantes, y hermano del también director y actor Richard Mulligan murió a causa de una enfermedad cardiaca en su casa de Connecticut. El cineasta deja un tremendo legado cinematográfico tras una extensa carrera que arrancó en 1961 con Cuando llegue Septiembre, un drama protagonizado por Rock Hudson y Gina Lollobrigida, y se prolongó hasta el 1991 cuando dirigió su última película Un verano en Louisiana.

Un total de 30 años tras las cámaras en los que Mulligan, un cineasta forjado en la televisión, dirigió 16 películas por las que pasará a la posteridad como un gran contador de historias, caracterizado por su impecable estilo y sensibilidad, pero sobre todo como un gran director de actores. Hasta cinco intérpretes que trabajaron a sus órdenes estuvieron nominados al Oscar por sus películas: Mary Badham, Natalie Wood, Ruth Gordon, Ellen Burstyn y Gregory Peck, que se hizo con la estatuilla por la que fue su gran obra Matar a un ruiseñor.

Este drama sobre el racismo, rodado en 1962 fue su segundo film y le valió a Mulligan su única nominación al Oscar como mejor director. Además del Oscar de Peck, Matar a un ruiseñor se llevó otras dos estatuillas, mejor guión adaptado y mejor dirección artística, aunque los premios de mejor dirección y mejor película fueron a parar a la gran triunfadora de aquella edición de los Oscar, Lawrence de Arabia, de David Lean.

En la filmografía de Mulligan también destacan otros títulos como la cinta de suspense El otro, el drama romántico Verano del 42 o la comedia romántica El año que viene, año a la misma hora, protagonizada por Ellen Bustyn y Alan Alda, una de sus hermosas historias románticas que dio cuenta de su gran sensibilidad para contar historias.

lunes, 10 de noviembre de 2008

Miriam Makeba, la luchadora incansable

La cantante sudafricana, símbolo de la lucha contra el apartheid, falleció esta madrugada a los 76 años, víctima de un infarto. Conocida mundialmente por su éxito Pata, Pata, fue una luchadora incansable de los derechos humanos y abogó por la libertad de Nelson Mandela. Makeba murió anoche en una clínica de Castel Volturno, Italia, tras haber participado de un concierto anticamorra y contra el racismo dedicado al escritor Roberto Saviano en Baia Verde.

Nacida en Johannesburgo el 4 de marzo de 1932, Miriam Makeba alcanzó fama mundial con su tema Pata Pata, grabado en 1967, la primera canción africana en alcanzar los primeros lugares de los ránking de música pop. La artista, que anoche cantó descalza ante un caluroso público que la despidió entre aplausos, se sintió mal tras el concierto, según reportó la agencia italiana Ansa.

Aunque en un primer momento sus asistentes pensaron que se trataba de un malestar pasajero, como no mejoraba fue trasladada a la clínica Pineta Grande en ambulancia. Los médicos detectaron una crisis cardiaca y aunque la asistieron de urgencia, Makeba no logró sobreponerse.

Miriam Makeba: Pata, pata, 3 min, 5 sec


Miriam Makeba fue la primera gran figura de su país en sufrir el exilio por su postura contra el apartheid, el régimen segregacionista con el que la minúscula minoría blanca que controlaba la economía y la política de Sudáfrica, sometía a la mayoría negra y a las otras minorías. Este régimen fue abolido en 1994.

Hija de un sangoma ("sanador" místico y tradicional de la tribu xhosa), Makeba grabó su primer disco simple en 1953, junto a los Black Manhattan Brothers. Su carrera dio un salto en 1959 cuando participó en el musical African Jazz and Variety y en el documental "Come back África", que le trajo invitaciones de todo el mundo. En 1960, el gobierno racista de Sudáfrica le revocó su pasaporte cuando intentaba regresar para el entierro de su madre.

En 1986 recibió el Premio de la Paz Dag Hammerskjold, por su lucha contra el apartheid. Tras la liberación de Nelson Mandela, Makeba regresó a su tierra, donde en abril de 1991 ofreció su primer recital tras una ausencia de 30 años. La cantante escribió dos libros autobiográficos, Mi historia y Mamá África, éste último publicado en 2004 y en cuya presentación relata que a los 33 años, le diagnosticaron un cáncer cervical.

sábado, 27 de septiembre de 2008

Muere otro grande del cine: Paul Newman


Paul Newman, una de las últimas grandes leyendas del Hollywood, falleció ayer a los 83 años víctima de un cáncer al pulmón. Las especulaciones sobre su estado de salud comenzaron en enero y en un principio fueron desmentidas, incluso por el propio actor. Meses más tarde, se confirmó la enfermedad.

Newman, uno de los grandes íconos de la historia del cine, estaba retirado desde 2002, tras el rodaje de Camino a la perdición, donde compartió escenas con Tom Hanks, a las ordenes de Sam Mendes. En 2006, tuvo otro acercamiento con el séptimo arte al poner voz a Doc Hudson, uno de los protagonistas de la película de animación Cars. Paul Newman, originario de Shaker Heights, Ohio, nació en el seno de una familia de madre húngara y padre judío alemán. Estudió Economía en el Kenyon College de Ohio y durante la Segunda Guerra Mundial sirvió como marino en la Armada. Después de la contienda estudió Arte Dramático en Yale.

El teatro constituyó su primera escuela como actor. Newman pasó así por el Actor's Studio, donde coincidió con otros grandes intérpretes como Steve McQueen, James Dean, Geraldine Page y Marlon Brando. En 1953 debutó en Broadway con la obra Picnic, de William Inge.

Aunque su debut cinematográfico tuvo lugar en 1954 en El cáliz de plata, de Victor Saville, su primer gran éxito en la gran pantalla llegó de la mano del realizador Robert Wise, que le dio el papel principal de Marcado por el odio (1956) en donde encarnó al boxeador Rocky Graziano. Después su carrera fue consolidándose con títulos como El zurdo (1958), de Arthur Penn, en el que representaba al legendario pistolero del Oeste, Billy The Kid.

En esa fecha consiguió otra de sus mejores interpretaciones en La gata sobre el tejado de zinc (1958), de Richard Brooks, una adaptación de la obra de Tennesse Williams en la que compartió roles con Elisabeth Taylor. Ese mismo año rodó El largo y cálido verano junto a Joan Woodward que se convertiría en su segunda esposa y con la que formó una pareja de gran estabilidad a lo largo de 50 años. Newman estuvo casado primeramente con Jacky Witte, de la que se divorció en 1958 y que es la madre de sus hijos Scott, Susan y Stephany.

Otros éxitos de su carrera llegaron con La ciudad frente a mi (1959), de Vincent Sherman; Éxodo (1960), de Otto Preminger, versión cinematográfica del 'best-seller' de Leon Uris sobre la formación del Estado de Israel; El Audaz (1961), de Robert Rossen; La leyenda del indomable (1967), de Stuart Rossenberg, logrando un enorme éxito en Hollywood con Harper, detective privado, de Jack Smight, una superproducción de cine negro.

Newman trabajó también con Alfred Hitchcock en La Cortina rasgada, 1966, George Roy Hill Dos hombres y un destino, 1969, junto a Robert Redford; John Huston El emisario de Mackintosh, 1973; John Guillermin Infierno en la torre, 1974; Robert Altman Buffalo Bill y los indios, 1976; James Ivory Esperando a Mr. Bridge, 1990, entre otras obras.

A finales de la década de los sesenta, Paul Newman diversificó su actividad dedicándose también a la producción y dirección. A partir de entonces manifestó su deseo por hacer otro tipo de cine, muy centrado en los personajes y menos en la acción. Nacieron así películas como Rachel, Rachel 1968, Casta invencible, 1971, y El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas, 1972. En 1984 dirigió Harry e hijo y tres años después El zoo de cristal.

En los ochenta, sus papeles en el cine se fueron acomodando a su edad. Son los años de Ausencia de malicia de Sidney Pollack; Veredicto final, 1982, de Sidney Lumet y El color del dinero 1986, con Martin Scorsese en la dirección, una secuela de El Audaz, la mítica obra de Rossen de 1961. El papel del veterano jugador de billar que guía los pasos de una promesa, interpretada por Tom Cruise, la valió el Oscar de la Academia, para el que había sido propuesto hasta seis veces -en 1994 recibiría uno honorífico, por el conjunto de su carrera y por ser uno de los actores con más títulos a sus espaldas-. En 1989 interpretó El escándalo Blaze de Ron Shelton.

Su carrera estuvo plagada de premios entre los que figuran un Oscar Honorífico en 1985, otro al mejor actor por El color del dinero en 1986 y el Premio Humanitario Jean Hersholt, también de la Academia de Hollywood, en 1993 además de haber sido candidato a la preciada estatuilla en múltiples ocasiones. Entre otros galardones obtuvo cuatro Globos de Oro (Mejor actor de reparto de serie en 2006; Premio Cecil B. DeMille en 1984; Mejor director por Rachel, Rachel en 1969 y Globo de Oro a la nueva estrella del año en 1957 por El cáliz de plata).

sábado, 20 de septiembre de 2008

Khaled, y su mensaje paz y reconciliación


A Khaled Hadj Ibrahim se le conoce como el rey del rai y sus influencias musicales van desde el funk, el reggae y la música árabe, pasando por la española y la francesa, junto a influencias de Los Beatles o James Brown. Desde pequeño, Khaled expresó su admiración por la música egipcia de Umm Kalzum o el reggae de Bob Marley y así fue como este músico nacido en argelia pero afincado en Francia desde fines de los 80 llevó el rai a una popularidad mundial.

En 1992, Khaled grabó Didi, que lo estableció firmemente en el panorama musical internacional elevando el enfrentamiento entre el rai y otro estilos a la dimensión artística de un método fecundo de creación. Con N'ssi N'ssi al año siguiente, y con la ayuda de dos productores de culturas y experiencias diferentes, amplió el espectro de una tradición profundamente arraigada y abierta. Philippe Eidel amplificó el orientalismo, y Don Was agregó un toque experimental, mezclando todo con la energía del funk y sonidos nuevos urbanos. Por esta actitud Khaled obtuvo el reconocimiento del público interesado en las últimas tendencias.

Con la publicación de Aicha, una balada romántica de Jean-Jacques Goldman, en su maravilloso álbum Sahra, de 1996, Khaled se apunta un nuevo logro. Aicha es un popular nombre árabe de mujer y la leyenda dice que era la preferida de Mahoma. Pero la letra exhalta el contenido de abierta apología a la igualdad entre hombres y mujeres. Cuando un hombre corteja a Aicha prometiéndole todo tipo de regalos ella responde:
Me dijo: "Guarda tus tesoros"
"Yo merezco algo mejor Que una jaula, aunque sea de oro
Quiero tener los mismos derechos que tú
Y que siempre me respetes
El amor es lo único que quiero"
Aicha fue escrita por el cantaautor franco-judío Jean-Jacques Goldman y resuena como un mensaje de paz y de reconciliación a personas de distintos orígenes. Khaled es un autor comprometido políticamente con la negativa influencia occidental en los países del tercer mundo, por su exhacerbado espíritu consumista. En Khaled se junta el gran talento musical y el mensaje de paz a un mundo polarizado.

domingo, 31 de agosto de 2008

Marés González (1925 - 2008)


A los 83 años falleció una de las grandes y legendarias actrices del Teatro Chileno. Marés González recibió el Premio Nacional de Artes de la Representación el año 2003 y en aquella ocasión señaló -con la sinceridad que acostumbraba- que la vida del teatro es "una vida dura, sacrificada, llena de satisfacciones, pero también muy dolorosa".

María Inés González falleció anoche víctima de una enfermedad que atacó su paladar y que le impidió seguir adelante con sus magníficas interpretaciones. En Chile (nació en Argentina en 1925) dio vida a una larga carrera actoral que la llevó a representar numerosos roles en las más importantes salas y grupos de Santiago. En televisión se destacó con sus roles en La Madrastra, Las Herederas y Pampa Ilusión, entre otras.

Para el golpe de Estado, en 1973, debió abandonar su cargo como Directora de la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile, exiliándose en Europa y desarrollando una notable carrera en Grecia, Francia y Cuba.

lunes, 25 de agosto de 2008

Sean Connery: de lechero a agente secreto


En el día de su 78 cumpleaños, el actor Sean Connery presentó en Edimburgo sus memorias, Ser escocés (Being a scot), un libro con pocos datos autobiográficos pero en el que este intérprete, que ha sido James Bond, Robin Hood, el Rey Arturo y el padre de Indiana Jones, rinde homenaje a su adorada Escocia. En sus memorias, Connery (Edimburgo, 1930) dedica el primer capítulo a su vida antes de entrar de lleno en unos ensayos sobre la cultura y la sociedad escocesas, incluidos el deporte, el cine y la arquitectura.

A pesar de estar prácticamente retirado del mundo del cine, el escocés vivo más famoso no ha dejado de atraer admiradores ya que las entradas se agotaron para la presentación de este libro durante el Festival Internacional del Libro de Edimburgo. En una sala abarrotada, Connery hizo reír a la audiencia -formada por unas 300 personas- al contar anécdotas de su infancia, que mezcló con su incondicional defensa de la independencia escocesa. Para este actor, condecorado con el título de caballero (Sir) por la reina Isabel II en el año 2000, Escocia debe siempre presentarse en solitario como nación en cualquier evento. Apoyó la petición del Partido Nacionalista Escocés (SNP) para que Escocia acuda a los próximos Juegos Olímpicos de Londres, en el 2012, como equipo escocés y no como parte del británico.

El ministro principal escocés, Alex Salmond, del SNP, estuvo presente en esta presentación, además de su hermano, Neil, y su esposa, Micheline Roquebrune. Connery, oriundo de una familia de pocos recursos de Edimburgo, recordó los primeros años de su carrera después de trabajar como lechero y dedicarse incluso al culturismo. Contó cómo su amigo Robert Henderson le pidió que dejase el acento escocés porque era demasiado fuerte y también explicó su afición al golf, que empezó cuando tomó clases para una escena de Goldfinger, uno de los seis filmes en los que interpretó a Bond. El golf "me atrapó", admitió el actor, y añadió: "Debo decir que ha sido una de las cosas más importantes de mi vida. Creo que debería estar en todas las escuelas, pero se debería enseñar bien".

Con su inconfundible acento escocés, Connery afirmó que desde pequeño fue seguidor del club de fútbol Celtic, equipo que apoyaba su padre, pero con el tiempo se inclinó por los rivales Rangers. En la sesión de preguntas y respuestas, el famoso intérprete del agente con licencia para matar también admitió su respaldo al plan del empresario estadounidense Danald Trump de construir un millonario club de golf en el noreste de Escocia. "Mi primera respuesta fue que no podía ver otra cosa que beneficios para esta parte de Escocia porque está bastante abandonada", dijo.

Considerado como uno de los actores más atractivos, esos que mejoran con los años, según la opinión de miles de mujeres, Connery no ha revelado demasiado sobre su vida privada. No hace referencia, por ejemplo, a las acusaciones de su primera esposa, Diane Cilento, sobre su presunto carácter violento durante los once años en que estuvieron casados.

Entre las cosas que revela está su pasada intención de obtener los derechos de filmación del libro El Código Da Vinci, pero que renunció por la abultada suma que pedía el autor, Dan Brown, de cinco millones de libras (unos 6,2 millones de euros), a pesar de que su fortuna está estimada en 85 millones de libras (unos 106 millones de euros). Las memorias de Connery, escritas junto al cineasta escocés Murrey Grigor, han sido calificadas por los organizadores del festival como un "documento notable". La directora del festival, Catherine Lockerbie, ha asegurado que, gracias a este libro, la gente podrá conocer lo que piensa Connery sobre la cultura y la vida en Escocia.

El País

lunes, 11 de agosto de 2008

Isaac Hayes, unos de los reyes del soul


El cantante y músico estadounidense y ganador de un Oscar y dos Grammy por su tema para la película Shaft, falleció ayer en su casa de Memphis, a la edad de 65 años. Con su muerte, la música negra estadounidense queda sin uno de sus más activos e innovadores representantes. Compositor, arreglista, productor, pianista y vocalista, Hayes dio un impulso vigoroso a la música soul y sobre todo en su avance hacia el funk, con arreglos atmosféricos y bailables.

Hayes logró en 1971 el reconocimiento del gran público y el primer Oscar para un hombre de raza negra por la banda sonora de la película Shaft, protagonizada por Richard Roundtree y dirigida por Gordon Parks, hoy considerada de culto por su lenguaje descarnado, las escenas de alto erotismo y la fascinante atmósfera de su banda sonora, con platillos, violines, trombones, guitarras y teclados sintetizados.

Hayes debutó como solista en 1967 con Presenting Isaac Hayes. Dos años después Hot Buttered Soul ya se disputaba los primeros puestos del top-ten musical, y en 1971, con el álbum Shaft, llegó la consagración definitiva. En 2002, el varias veces ganador de los Premios Grammy fue incorporado al Salón de la Fama del Rock and Roll. Durante años su voz pudo oírse a través del personaje "Chef", en la mordaz sátira televisiva South Park.

Nacido en 1942, su vida tuvo atributos casi épicos, al quedar huérfano a los 18 meses. Hayes creció junto a sus abuelos en condiciones de pobreza. Como autodidacta, aprendió a tocar el piano, el órgano y el saxofón escuchando una radio que lo mantenía en contacto con el mundo. Así logró ganarse la vida con empleos ocasionales.

A mediados de 1960 llegó al sello Stax Records en su carácter de compositor y escribió allí junto con su colega David Porter, entre otros éxitos, "Soul Man", "When Something Is Wrong with My Baby" y "I Thank You".

Además de su labor como músico y compositor, también ingresó en los años 80 en el rubro de actor al negocio del cine. Su faceta como intérprete quedó bien registrada en la película Escape de Nueva York, realizada por John Carpenter en 1981 y protagonizada por Kurt Russell.

Hayes tenía un gran olfato para los arreglos y para la creación de atmósferas orquestales, y a 38 años de su creación, Shaft es un verdadero ejemplo de ello y un clásico de la música popular.

domingo, 3 de agosto de 2008

Alexander Solzhenitsin, el símbolo de la disidencia a la URSS estalinista

Solzhenitsin, saludando a Vladimir Putim en junio de 2007


El escritor Alexander Solzhenitsyn, autor de las crónicas de los horrores del gulag soviético y ganador del premio Nobel de Literatura en 1970, falleció a los 89 años de un problema cardiaco en su residencia de Moscú.

Aunque fue condecorado en dos ocasiones por su participación en la Segunda Guerra Mundial, fue condenado por Stalin en febrero de 1945 a ocho años de confinamiento por llamarlo "el bigotudo" en una carta enviada a un amigo cuando se encontraba en el frente de Prusia Oriental camino a Berlín.

Solzhenitsin reveló al mundo la realidad del sistema soviético en los campos de trabajo forzado en obras como "Un día en la vida de Iván Denisovich", "El primer círculo" y "Archipiélago Gulag".

En 1970 recibió el Premio Nobel de Literatura y fue despojado de su nacionalidad soviética en 1974 y expulsado de la URSS tras la publicación del primer volumen de "Archipiélago Gulag", para el que entrevistó a 227 antiguos presos de campos de concentración soviéticos. Desde ese momento vivió en Alemania, Suiza y Estados Unidos, antes de volver a Rusia en 1994 tras la caída de la Unión Soviética y 24 años de exilio, luego que Gorvachov comenzara a reeditar sus obras en 1990.

El presidente de Rusia, Dmitri Medvédev, presentó hoy sus condolencias a su familia. La portavoz del Kremlin, Natalia Timakova, indicó que el jefe del Estado transmitió su pésame a la esposa y los hijos del escritor.

"Al final de mi vida, espero que el material histórico (...) que he recogido entre en las conciencias y la memoria de mis compatriotas", dijo Solzhenitsin en 2007 cuando el entonces presidente Vladimir Putin le entregó el prestigioso Premio de Estado ruso. "Nuestra amarga experiencia nacional contribuirá, en caso de nuevas condiciones sociales inestables, a prevenirnos contra fracasos funestos", añadió el escritor que el próximo 11 de didicmbre habría cumplido 90 años.

Enlaces:
El Mundo
El País
Liberation
Corriere Della Sera

domingo, 20 de julio de 2008

Jo Stafford, una grande del jazz


Este jueves 17 y a los 90 años falleció la gran cantante de jazz Jo Stafford, dueña de una de las voces más hermosas y a quien es posible escuchar aqui en el hermoso tema You belong to me. Nacida el 12 de noviembre de 1917 en Coalinga, California, como Jo Elizabeth Stafford, su registro de mezzosoprano y la correcta claridad de entonación y fraseo la distinguieron entre las jóvenes cantantes de los años 30.

Jo Stafford aspiraba a convertirse en cantante de ópera, pero la gran depresión del país del norte de los años 30 la obligó a formar junto a sus hermanas mayores Pauline y Christine, un trío vocal que pasó a convertirse en uno de los más requeridos de las radioemisoras. De hecho formaron un cuarteto junto a Tommy Dorsey y hasta un quinteto cuando se incorporaba Frank Sinatra.

Independizada de sus hermanas en 1948, con un timbre de voz puro y un control de vibrato, la Stafford interpretó numerosos temas en los que definió su estilo. Se casó con el arreglista Paul Weston, quien luego sería el director artístico del sello Capitol; cantó con Frankie Lane una gran cantidad de temas, entre los que destacan Hey God Lookin, Gambella o A Bushel and a Peck. También consiguió gran éxito con canciones folclóricas como Jambalaya, Wind in the Willow.o Shrimp Boats. Junto a Ella Fitzgerald desarrolló parte importante de su carrera:

Jo Stafford junt a Ella Fitzgerald


Jo Stafford junto a Ella Fitzgerald, Harry James y Benny Goodman


Otros temas de Jo Stafford:

I'll Be Seeing You
Long Ago and Far Away
No Other Love
The Trolley Song

miércoles, 11 de junio de 2008

Charly García: Demoliendo hoteles

Yo que crecí con Videla
yo que nací sin poder
yo que luché por la libertad
y nunca la pude tener,
yo que viví entre fascistas
yo que morí en el altar
yo que crecí con los que estaban bien
pero a la noche estaba todo mal.

Hoy paso el tiempo,
demoliendo hoteles
mientras los plomos juntan los cables
cazan rehenes.

Hoy paso el tiempo
demoliendo hoteles
mientras los chicos allá en la esquina
pegan carteles.

Yo fui educado con odio
y odiaba la humanidad
un día me fui con los hippies
y tuve un amor y también mucho más.
Ahora no estoy más tranquilo,
y por qué tendría que estar
todos crecimos sin entender
y todavía me siento un anormal

Hoy paso el tiempo,
demoliendo hoteles
mientras los plomos juntan los cables
cazan rehenes.

Hoy paso el tiempo
demoliendo hoteles
mientras los chicos allá en la esquina
pegan carteles.


Charly García

lunes, 9 de junio de 2008

Andy Warhol

viernes, 6 de junio de 2008

Anna Netrebko - La Wally - Catalani

Anna Netrebko - La Wally

miércoles, 4 de junio de 2008

martes, 3 de junio de 2008

Mi Madre, una despedida

Mi Madre, junto a parte de la familia


Si a veces resulta difícil hablar de la partida de un ser conocido, respetado, o admirado, más difícil resulta vérselas cuando la que ahora parte es la propia madre. Mi madre, Norma Vásquez, ha muerto, Imposible no despedirla en este sitio “de la gente” y recordar, como en un torbellino, miles de imágenes que forman mi historia, desde mi infancia hasta hoy. Todas, como un flash, replican y lo harán por mucho tiempo pues su ausencia, el saber que ya no está, me produce un infinito vacío cargado de dolor.



Es natural nacer, crecer y morir. Es el ciclo de la vida. Pero la muerte, nuestra única certeza, nos sorprende en forma intempestiva y nos atrapa en su vorágine. Víctima de un cáncer que la tuvo a maltraer por cuatro años, se fue consumiendo lentamente en su plano físico; pero fue creciendo en espíritu y humanidad. Su ternura, su cariño y su fe, la fortalecieron y le dieron la gracia y el encanto que muestran estas imágenes. Murió rodeada de su hijos y nietos, llena de esperanzas. Colmada de dicha. Mi madre, creyente, devota, descansa en paz junto al señor.




Mi Madre, junto a sus nietos

Recuerdos de La Alhambra

Narciso Yepes

Heike Matthiesen

John Williams y Francisco Tárrega

martes, 27 de mayo de 2008

Sydney Pollack, uno de los grandes de Hollywood



El director estadounidense Sydney Pollack, ganador de dos premios de la academia por la película Africa mía, con la inolvidable banda sonora de John Barry, murió en su casa de Los Ángeles, a la edad de 73 años víctima de un cáncer que se le diagnóstico hace diez meses. Pollack se consagró en el cine con la película Baile de ilusiones (1969), protagonizada por Jane Fonda y Michael Sarrazin, en la cual una pareja que acaba de conocerse participa en una maratón de baile para matar el hambre y la desesperanza. Ambientada en los años de la Gran Depresión, Pollack atinó con un descarnado estudio de la miseria y la cálida intimidad que logró de sus protagonistas. El filme tuvo nueve nominaciones al Oscar, obteniendo Gig Young el premio al Mejor Actor de Reparto. Película emblemática de una época (los años 60) situa a Pollack entre los grandes del cine.

Baile de ilusiones, la película que lo consagró

Pollack se inició en el cine como actor y a comienzos de los años 60 conoció a John Frankenheimer y Burt Lancaster, quienes lo lanzaron como director para la televisión. En este formato dirigió varios episodios de las series Los Defensores, El fugitivo, y La hora de Alfred Hitchcock. Su primer título como director de cine fue La vida vale más (1965) con Sidney Poitier y Anne Bancroft.

Con Robertt Redford realizó gran parte de sus mejores obras como Propiedad Condenada (1966) junto a Natalie Wood y Charles Bronson; Las aventuras de Jeremiah Johnson (1970), western basado en una novela de Vardis Fisher; Nuestros años Felices (1973), drama romántico con Barbara Streissand; Los tres días del Cóndor (1975) thriller político con Faye Dunaway, El jinete electrico (1979), Africa Mía (1985) junto a Meryl Streep por la que ganó dos Oscar a la Mejor Película y Mejor Director); y Habana (1990) con Lena Olin.

Pollack y sus dos Oscar por Africa mía (1985)

También dirigió a Burt Lancaster en Camino de venganza (1968) con Shelley Winters y Telly Savalas; y La Fortaleza (1969); a Robert Mitchum en Operación Yakuza (1974); a Al Pacino en Un instante una Vida (1977), a Paul Newman en Ausencia de Malicia (1979); a Dustin Hoffman y Jessica Lange en Tootsie (1982) película por la que recibió 10 nominaciones al Oscar, llevándose sólo Jessica Lange el de Mejor Actriz de Reparto. En los años 90 dirigió a Harrison Ford en Sabrina (1995) y Caprichos del destino (1999). Su última película fue La Intérprete (2005) con Nicole Kidman y Sean Penn.

Con Dustin Hoffman en Tootsie (1982)

Como actor intervino en los últimos años en varias producciones desde la propia Tootsie, a Maridos y Mujeres (1992) de Woody Allen; Ojos bien cerrados (1999) de Stanley Kubrick, y el rol que se dio como jefe de inteligencia en La intérprete. En los últimos años centró su trabajo en la tarea de productor ejecutivo de importantes películas como El americano impasible (2002), El talentoso señor Ripley (1999) y Sensatez y Sentimientos (1995).


Con Paul Newman en la filmación de Ausencia de Malicia (1981)

sábado, 24 de mayo de 2008

Arthur Schnitzler, el "otro yo" de Freud

Muestran en Londres cartas y relatos inéditos del inquietante autor austriaco


Ciar Byrne


Sus obras de teatro inspiraron películas como Ojos bien cerrados, de Stanley Kubrick; La habitación azul, de David Hare, y Dalliance (Coqueteo), de Tom Stoppard, pero fuera de Austria y Alemania el nombre de Arthur Schnitzler no se reconoce de inmediato. Ahora, sin embargo, más de 75 años después de su fallecimiento, se exhiben por primera vez las cartas inéditas y los manuscritos del dramaturgo judío, en el King’s Collage de Londres.

La exhibición, que abrió el pasado martes y durará hasta el 26 de julio, está formada por material obtenido de un vasto archivo que se salvó de ser destruido por los nazis luego de la muerte del dramaturgo, en 1931. Su esposa, Olga, de quien se había separado, pidió a un estudiante de Cambridge que tomaba un curso en Viena, ciudad natal del escritor, que hiciera arreglos para enviar los documentos a la universidad inglesa.

Vocación por las letras

En vida, Schnitzler alcanzó renombre por la franqueza sexual de su escritura, que llevó a sus amigos a describirlo en broma como “pornógrafo”. Para Adolf Hitler, la obra del dramaturgo era un ejemplo de “basura judía”.

El escritor comenzó a visitar prostitutas a la edad de 16 años y era un notorio mujeriego que durante años llevó la cuenta de los orgasmos que lograba. Sin embargo, también cobró fama por sus abiertos ataques al antisemitismo; el archivo de Cambridge contiene correspondencia enviada por el fundador del sionismo, Theodor Herzl, quien instaba a Schnitzler a trasladarse a Palestina y volverse “el dramaturgo más grande del Estado judío”.

El curador de la exhibición, Lorenzo Belletini, comentó: “Es muy conocido en su patria, pero, de manera indirecta, se han producido muchas obras en inglés basadas en él. Lo que se propone la exhibición es ofrecer una vista general de su legado literario completo, que nunca se ha mostrado”.

Desde principios del siglo XX, las obras de Schnitzler se han adaptado a la pantalla. Su obra Liebelei (Coqueteo), de 1895, fue adaptada por Tom Stoppard con el título de Dalliance en 1986. Luego, Stanley Kubrick transformó la novela breve Traumnovelle (Historia de ensueño) en su última película, en la que Nicole Kidman y Tom Cruise, en ese tiempo pareja en la vida real, interpretan a un matrimonio de Nueva York que se separa a causa de los celos.

Antes de eso, la adaptación más conocida de una obra de Schnitzler a la pantalla fue La Ronda, de Max Ophüls, basada en la obra teatral Reigen, de 1897, que se refiere a una cadena de encuentros sexuales contra el trasfondo de una epidemia de sífilis en la decadente sociedad vienesa. Cuando se estrenó en público, en 1921, la policía cerró el teatro y, luego de un proceso por obscenidad que duró seis días, el autor decidió que no volviera a montarse.

Nacido en Viena en 1862, hijo de un prominente laringólogo, Schnitzler estudió medicina para complacer a su padre, pero pronto se volvió hacia su verdadera pasión, la escritura. Hacia 1900 estaba firmemente establecido como uno de los escritores del grupo de vanguardia conocido como Jung Wien (joven Viena).

Si bien el dramaturgo nunca conoció en persona a Sigmund Freud, el sicólogo vienés describió a Schnitzler como su doppelgänger (su otro yo fantasma), y es famosa la carta que le envió, en la que expresa: “He tenido la impresión de que usted aprendió por intuición –aunque en realidad fue por introspección sensitiva– todo lo que yo he tenido que desenterrar mediante una labor agotadora en otras personas”.

martes, 20 de mayo de 2008

Centenario de un mito entrañable de Hollywood

Hoy se cumplen cien años del nacimiento de James Stewart, emblema del cine clásico y de las películas de Hitchcock y Frank Capra


James Stewart, emblema de la época dorada de Hollywood, cumpliría hoy cien años. Ícono del cine clásico y de las obras de Frank Capra (Qué bello es vivir) y Hitchcock, con quien interpretó varias de sus obras maestras (Vértigo, La ventana indiscreta), supo sacar adelante roles complejos con clase y elegancia.

Pocos tuvieron su estilo refinado y se le cita en cualquiera de las listas de los mejores actores del celuloide, algo siempre sujeto al terreno de la subjetividad. Y es porque James Stewart gozó de una de las carreras más brillantes que se recuerdan. De la comedia romántica al western, del drama al 'thriller' más apasionante, no hubo género que se le resistiera y en el que encajase como un guante a lo largo de seis décadas en la profesión.


Pieza indispensable en las trayectorias de directores como Alfred Hitchcock (La soga, El hombre equivocado), Frank Capra, John Ford o Anthony Mann, 'Jimmy', como se le conocía en EE.UU., brilló en El bazar de las sorpresas (1940), de Ernst Lubitsch; Historias de Filadelfia (1940), de George Cukor, y Anatomía de un asesinato (1959), de Otto Preminger. Tres piezas luminosas del cine en blanco y negro. Por la segunda incluso la Academia le concedió el Oscar al mejor actor, gracias al papel de Macaulay Connor, el dicharachero escritor que se enamora de Tracy Lord, personaje interpretado por una irresistible Katharine Hepburn.

Para entonces ya había sido candidato al Oscar por Caballero sin espada (1939), de Capra, y años después volvería a repetir candidatura por la inolvidable ¡Qué bello es vivir! (1946), uno de los máximos logros de Capra; por El invisible Harvey (1950), de Henry Koster, y por el filme de Preminger.

"La película en sí misma no tiene nada de excepcional", escribió una vez el actor sobre '¡Qué bello es vivir!', que él mismo consideró su cinta preferida de entre las más de 80 que rodó. "Es simplemente sobre un tipo ordinario que descubre que vivir cada día de forma honorable, con fe en Dios y preocupándose por los demás, puede ser una vida maravillosa".

De joven, pasó de los teatros de Broadway a ser un terrible seductor y 'playboy' junto a su amigo Henry Fonda tras llegar a la meca del cine a finales de la década de 1930. Pero poco después decidió alistarse en el Ejército y se convirtió en el primer gran actor en vestir un uniforme militar durante la II Guerra Mundial.

Su participación en ella le alejó durante cuatro años de los platós. Alcanzó el grado de Brigadier General en la fuerza aérea de EE.UU. y fue condecorado con la Medalla del Servicio del Aire, la Cruz de Vuelo Distinguido y la Cruz de Guerra francesa, entre otras.

La fogosidad con la que llegó a Hollywood se diluyó tras regresar del conflicto y conocer a Gloria, ex modelo con la que contrajo matrimonio a los 41 años y de quien no se separó hasta la muerte de ésta, a causa de un cáncer de pulmón, en 1994.

En lo que nunca cesó fue en su activismo político. De sobra conocido fue su manifiesto apoyo al movimiento anticomunista de Hollywood a finales de la década de 1940, así como su respaldo a los presidentes estadounidenses Richard Nixon y Ronald Reagan.

Vértigo (1958), la obra maestra de Hitchcock

Con todo conseguido en su vida, recibió en 1985 el Oscar honorífico. Murió el 2 de julio de 1997, un día después del fallecimiento de otro ilustre de Hollywood, Robert Mitchum. "EE.UU. ha perdido hoy un tesoro nacional", dijo entonces el presidente del país, Bill Clinton.

A cien años de su nacimiento, el 20 de mayo de 1908 en Indiana (Pensilvania), y a once de su deceso, el cine recuerda a Stewart como el actor que supo plasmar a la perfección al tipo medio estadounidense y que recordó al espectador que cada vida, por mundana que pueda parecer, es única.

jueves, 15 de mayo de 2008

Frank Sinatra

My Way


New York, New York


I've Got You Ubder My Skin

martes, 13 de mayo de 2008

Frank Sinatra, la voz del maestro


José Luis Arredondo

Este 15 de mayo se cumple una década de la muerte de Frank Sinatra, para mi el mejor cantante de música popular del siglo XX, sobre su vida datos hay por miles en la red de modo que aquí solo quiero comentar el cómo y porqué me transformé en sinatriano hace ya varios años.
Un amigo de mis Padres era fanático de Sinatra y cada vez que íbamos a su casa yo, en ese entonces de 14 o 15 años, veía la cantidad de discos que tenía de el y de como los escuchaba casi con religiosa atención, sin proponérmelo empecé a poner atención en sus canciones y este amigo atento a mi curiosidad empezó a guiar de alguna forma este paulatino interés musical. Así fue como casi imperceptiblemente empecé a ponderar todo lo singular y excepcional de su voz, su fraseo irrepetible, esta forma nueva para la época de presentar su canto, con un natural histrionismo y una forma de decir la canción como si nos narrara solo a nosotros una historia acontecida a el, una cadencia un poco arrogante siempre, con una seguridad y prestancia que revestían de algo teatral su entrega, sentía que convertía una canción en un hecho más significativo que solo cantar: convertía la canción en un mini drama o comedia que actuaba frente a su público.
Estaba revestido de un aura especial, concitaba nuestra atención de manera absoluta, he sentido que su timbre vocal es el mas hermoso con el que ha estado dotado un cantante, creo que fue un animal de música, no lo veo en otro oficio, sin él, la historia musical del siglo XX habría sido más pobre.
Marcó todo el siglo con su arte, señaló caminos, enseñó cómo se cantan las baladas de amor con extraños en la noche, cómo se interpreta una canción desde el fondo de la tristeza con hojas de otoño, cómo se cuenta una historia de esfuerzo y soledad con old man river, en fin, dio cátedra con cada interpretación. Es un modelo a seguir, en ese sentido, es un clásico en rigor total, no hay buen interprete hoy que no le deba algo al estilo Sinatra, todos para ser buenos de verdad tienen que que observar su arte, así como los pintores estudian los maestros del renacimiento o del barroco, los cantantes tienen en empaparse de Sinatra para luego buscar un camino sin perder el rumbo.
Lo veo hoy como una brújula, un faro que nos señala rumbo para no perdernos en la mediocridad de baladistas del tercera que no se diferencian en nada unos de otros, quién puede decir hoy que es un artista de la singularidad y estatura musical de Sinatra, ninguno.
Nos legó una manera de cantar, la correcta.
Una manera de enfrentar el arte, con singularidad y aplomo.
Larga vida al maestro.

Enlace a página de José Luis Arredondo

Robert Rauschenberg, el padre del Pop Art


Robert Rauschenberg, pionero del "pop art" y cuyos talentos abarcaron los mundos de la pintura, la escultura y la danza y que es considerado una de las figuras artísticas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX, murió ayer lunes en Tampa (Florida) a los 82 años.

Rauschenberg, que saltó a la fama en los años 50, no acaparó la fama mundial como lo hicieron sus seguidores, sino que fue un incomprendido hasta la llegada del "pop-art", un movimiento que reconoció su obra y que le atribuyó la paternidad del nuevo estilo, donde Andy Warhol con latas de sopa Campbell's y Roy Lichtenstein con sus libros de comic fueron dos de sus principales representantes.

El ciclo de su obra más célebre es el que se encuadra bajo las "Combine Paintings", un período que surge con la incorporación de objetos reales a sus creaciones y representan el interés del artista por trabajar en todas direcciones, persiguiendo la idea de la tridimensionalidad. Fue uno de los artistas más influyentes que surgieron contra el expresionismo abstracto, y aunque declaró no haber llegado a entender lo que es el dadaismo, de Marcel Duchamp -padre de este movimiento y figura clave del siglo XX-, aprendió a elevar a la categoría de arte cualquier objeto de la vida cotidiana. En su obra incorporó aspectos de la pintura y la escultura, y finalmente incluyó objetos como una cabra disecada y señales de tránsito. Su influencia sobre Andy Warhol fue decisiva.



Su trayectoria artística ilustra la evolución que se produce en las décadas centrales del siglo XX desde el expresionismo abstracto dominante hacia las nuevas formas del Pop Art, cuyo punto de partida fue la toma de conciencia de la modernización tecnológica y de sus consecuencias culturales.

En 1964, un año después de pintar Express, obra que refleja sus más importantes innovaciones y técnicas, Rauschenberg se convirtió en el primer artista norteamericano en obtener el primer Premio de Pintura de la Bienal de Venecia, contribuyendo así de manera decisiva a que el "pop art" se diera a conocer internacionalmente.

Considerado una de la figuras claves de la vanguardia de los años 50 y 60, Rauschenberg fue "descubierto" popr el mítico galerista neoyorquino Leo Castelli.

Obras de Rauschenberg en una galería neoyorquina



domingo, 4 de mayo de 2008

La más bella asediada en un escandalillo


Desde que Megan Fox fue designada como la mujer más sexy del mundo por la revista FHM los medios estadounidenses no han cesado en su empeño de buscarle el lado oscuro a una chica aparentemente perfecta. Los esfuerzos no han sido en vano y dieron con un escandalillo menor que muestra ese lado humano y cleptómano de algunas jóvenes.

Hurgando en su pasado, la prensa encontró una prohibición que pesa sobre Megan y que le impide entrar en las tiendas Wal-Mart de Florida. Según informaciones de 'Contactmusic. com', la joven actriz de 21 años no puede pisar el establecimiento por haber intentado robar un lápiz de labios de siete dólares durante su adolescencia, hecho por el que fue cazada en las instalaciones y que habría confesado llorando a los guardias de seguridad.

Un amigo de la estrella emergente señaló que "Megan tuvo una adolescencia bastante rebelde". "Pensaba que podía llevarse de todo, y tenía los 'dedos largos'", reveló a la prensa, no solamente en relación al incidente del pintalabios sino a su particular afición a llevarse sin pagar golosinas y chicles, siguiendo los pasos de Winona Rider, aunque esta última tiene preferencia por las prendas de Gucci o Versace.

En el entorno de Megan Fox, actriz que saltó a la fama con Transformers, no confirman ni desmienten estas afirmaciones. Saben bien que desplazar a Angelina Jolie, Kylie Minogue o Jessica Alba del título de la más bella del planeta tiene también sus lastres, y los rumores son quizás el más pesado de ellos.


Megan Fox en "Transformers"

sábado, 26 de abril de 2008


viernes, 25 de abril de 2008



miércoles, 23 de abril de 2008

Juan Gelman, premio Cervantes 2007


Pagina 12

El poeta argentino Juan Gelman recibió hoy el Premio Cervantes 2007 de manos del rey Juan Carlos de Borbón. En su discurso, Gelman afirmó que "hay quienes vilipendian este esfuerzo de memoria. Dicen que no hay que remover el pasado, que no hay que tener ojos en la nuca, que hay que mirar hacia adelante y no encarnizarse en reabrir viejas heridas. Están perfectamente equivocados. Las heridas aún no están cerradas. Laten en el subsuelo de la sociedad como un cáncer sin sosiego. Su único tratamiento es la verdad, Y luego, la justicia. Sólo así es posible el olvido verdadero".

En el transcurso de un solemne acto, presidido por los reyes Juan Carlos y Sofía en el Paraninfo de la Universidad de Alcalá de Henares -que este año conmemora su quinto centenario-, Gelman profundizó al afirmar que "las heridas aún no están cerradas".

"Laten en el subsuelo de la sociedad como un cáncer sin sosiego. Su único tratamiento es la verdad", indicó el poeta argentino tras recibir la medalla y la escultura que lo acreditan como ganador del galardón, informó la agencia de noticias Europa Press.

"Hoy celebro una España que no acepta las aventuras bélicas y rompe clausuras sociales que hieren en la intimidad de las personas. Hoy celebro una España empeñada en rescatar su memoria histórica como único camino para construir una conciencia cívica sólida que abra las puertas al futuro", sostuvo Gelman.

"Ya no vivimos en la Grecia del siglo V antes de Cristo en que los ciudadanos eran obligados a olvidar por decreto. Esa clase de olvido es imposible. Bien lo sabemos en el Cono Sur", agregó.

Acompañado por el presidente de Gobierno español, José Luis Rodríguez Zapatero, el ministro de Cultura, César Antonio Molina, y numerosas personalidades del mundo de la cultura y la política, Gelman habló también de la muerte en Occidente y de la aparición del concepto de "muerte a distancia".

Fue, explicó, "en lugares como Hiroshima, cuando el coronel Paul Tobbets apretó un botón y aniquiló a 200.000 civiles".

El Premio Cervantes lo relacionó en la actualidad con Irak al afirmar que "la muerte se ha vuelto anónima y hay algo peor: hoy mismo centenares de miles de seres humanos son privados de la muerte propia. Así se da en Irak".

Para el poeta argentino, Don Quijote supo ver esta "muerte a distancia, cada vez más segura para el que mata, cada vez más terrible para el que muere" y la muerte llega hoy también "hospitalizada con un cortejo de silencios y mentiras".

En su discurso el poeta argentino, que sufrió en carne propia la tragedia durante la última dictadura militar argentina, recordó la desaparición de 30.000 personas durante la dictadura militar.

"Cabe señalar que la palabra desaparecido es una sola pero encierra cuatro conceptos: el secuestro de ciudadanos y ciudadanas inermes, su tortura, su asesinato y la desaparición de sus restos en el fuego, en el mar o en el suelo ignoto. El Quijote me abría entonces manantiales de consuelos", recordó.

En otro párrafo de su discurso, Gelman se confesó devoto de Cervantes, quien, aseguró, "inventó la primera novela moderna que contiene y es madre de todas las novedades posteriores, de Kafka a Joyce".

También se describió como un devoto de la poesía, "hoy premiada" y calificó este género de "doncella tierna y de poca edad y en todo extremo hermosa para don Quijote, doncella que, dice Cervantes en 'Viaje al Parnaso', puede pintar en la mitad del día, la noche y en la noche más oscura el alba bella que perlas cría...".

sábado, 19 de abril de 2008


jueves, 17 de abril de 2008


miércoles, 16 de abril de 2008


martes, 15 de abril de 2008

Marilyn Monroe, a cien mil dólares por minuto


Un millón y medio de dólares pagó un empresario neoyorquino por adquirir una película casera de 15 minutos rodada en 1948 en el que se ve a Marilyn Monroe de rodillas practicando una felación a un hombre sin rostro. La noticia fue publicada ayer por The New York Post, apoyándose en declaraciones de Keya Morgan, un coleccionista que descubrió la cinta en los años 60 y que sirvió de intermediario entre el comprador y el vendedor. El nuevo propietario aseguró que la guardará y que no piensa compartirla ni subirla a Internet.

Según cuenta Morgan, en los años sesenta él supo de la existencia del filme, rodado en 16 milímetros y en blanco y negro, mientras buscaba material para un documental. Fue gracias a un ex agente del FBI que a su vez le puso en contacto con un informante anónimo que le había hecho saber a la agencia que existían 15 minutos de película con Marilyn de alto contenido sexual. "Se ve al instante que es ella. Tiene su famoso lunar. Sonríe, es encantadora, radiante, ella sabía serlo. Después se sale de cuadro y se acaba la película", explicó Morgan.

En los años sesenta el director del FBI era J. Edgar Hoover, un hombre obsesionado con conspiraciones varias que trató de probar sin éxito que el hombre disfrutando de las atenciones de Marilyn en la cinta era el presidente John Fitzgerald Kennedy. Sin embargo, pese a que siempre se sospechó de la existencia de una relación entre ambos, en el filme no se ve el rostro del hombre, que se cuida de no salir en pantalla y además, según Morgan, se filmó años antes de que la actriz alcanzara fama internacional y conociera al presidente. De hecho Marilyn tenía 22 años y su debut en el cine fue al año siguiente junto a Gruocho Marx en Amor en conserva, que dirigió David Millar.

El FBI confiscó la película y aún hoy sigue siendo material clasificado, pero el informante anónimo que la tenía en su poder se aseguró de hacer una copia antes de que la agencia se la arrebatara y esa copia es la que su hijo acaba de vender a razón de 100 mil dólares el minuto.


Marilyn

En Una Eva y dos Adanes con Jack Lemmon y Tony Curtis

sábado, 12 de abril de 2008


miércoles, 9 de abril de 2008

xx


martes, 8 de abril de 2008



domingo, 6 de abril de 2008

xx


x


sábado, 5 de abril de 2008

Los Ojos de Bette Davis

Bette Davis, cuyo verdadero nombre era Ruth Elizabeth Davis, nació en Lowell el 5 de abril de 1908 y murió en Paris el 6 de octubre de 1989. Reina absoluta de Hollywood entre los años 30 y 40, supo interpretar tanto personajes de comedia como dramas, aunque fueron sus papeles de arpía los que le valieron la fama mundial. En 1935 recogió su primer Oscar por la interpretación de uno de sus personajes más lacrimógenos en la película Peligrosa, de Alfred E. Green.
La diva dejó huellas con su marcado carácter y con sus ojos enigmáticos y peculiares a quien Kim Carnes le dedicó Bette Davis Eyes en 1981, y que escondían a una mujer magnífica, luminosa y belicosa, uno de los grandes monstruos en la actuación femenina.

Bette Davis rodó mas de 80 películas entre Bad Sister (1931) y La bruja de mi madre (1988), ganando dos Oscar a la Mejor Actriz de un total de diez nominaciones por Peligrosa (1935) y Jezabel (1938). En el Hollywood de los años 30 interpretó a una serie de notables personajes como la arpía de Jezabel, la bruja malvada de Cautivo del deseo o la mujer lúcida y segura de Amarga Victoria.

En los años 40 fue la asesina sin remordimientos de La Carta, la malvada manipuladora de Eva al desnudo y la superviviente de La extraña pasajera, entre otras grandes obras.

Su carácter la hizo enfrentarse siempre a otras divas como Joan Crawford, y aunque fue considerada muchas veces como cascarrabias, problemática, agresiva y maleducada, puso una vara muy alta en la actuación femenina. Sin ella no habrían existido otras grandes como Meryl Streep o Anne Bancroft. Con la diferencia de que a la Davis nunca le importó que todo el mundo odiara a sus personajes y a ella misma. Por eso se ganó la admiración y el cariño de todo el mundo.

XX


viernes, 4 de abril de 2008

xx


jueves, 3 de abril de 2008

Youssou N'Dour ayuda a mypes africanas


El músico senegalés Youssou N'Dour, que visitó Chile en 1996 y ofreció un recital en el gimnasio Santa Rosa de Las Condes, se ha inspirado en la dignidad de su padre, un herrero de 78 años que nunca ha aceptado que su hijo le mantenga económicamente, para lanzar un programa de microcréditos dirigido a pequeños emprendedores en África.

"Le he propuesto (a mi padre) mil veces ayudarle financieramente. Pero siempre lo ha rechazado. Quiere guardar su libertad y su dignidad", explicó el cantante en una entrevista publicada hoy en el semanario 'L'Express', en la que presenta su programa de microcréditos Africa Works.

La idea de N'Dour, que el año pasado estaba entre las cien personas más influyentes del mundo elegidas por la revista 'Time', es simple: conceder "pequeños préstamos a tasas muy bajas" a ciudadanos africanos que quieran poner en marcha sus negocios sin otra garantía que "su palabra y la respetabilidad de su familia". "Los africanos ofrecen su trabajo, pero necesitan apoyo para realizar sus sueños y relanzar la economía de su continente", agregó el cantante, que mantiene su domicilio en Dakar.

De Youssou N'Dour el tema que tocan siempre las radios es Seven Seconds, junto a Memeh Cherry. Claro que en los recitales en vivo muchas veces se hace acompañar por otras intérpretes como en el caso que aquí ilustramos junto a la británica Dido.

El artista senegalés, propietario del grupo de comunicación Futurs Médias, convenció al presidente de Benetton para que la firma de ropa italiana se sumase al proyecto al ver que en su "laboratorio de creación" trabajaban "centenares de jóvenes" de "todas las nacionalidades. Todas... salvo africanos".

Youssou N'Dour formó parte de la gira de Amnistía Internacional que hace 20 años se realizó por todo el mundo para reivindicar el tema de los Derechos Humanos, En plena dictadura pinochetista, N'Dour, junto a Sting, Peter Gabriel y Tracy Chapman ofrecieron un recital para los chilenos en la ciudad de Mendoza para la cual cruzaron la cordillera cerca de seis mil entusiastas. En aquel recital también estuvieron Inti Ilimani y Los Prisioneros.

Junto a su notable trayectoria como solista, Youssou N'Dour ha trabajado con Ryuichi Sakamoto y Peter Gabriel en varios trabajos, destacando con este último la extraordinaria banda sonora de Passion, para el filme de Scorsese La última tentación de Cristo.

miércoles, 2 de abril de 2008

ww


ww


ww


domingo, 30 de marzo de 2008

RICHARD WIDMARK, UN SÁDICO ELEGANTE


El actor estadounidense Richard Widmark, famoso por su actuación en El beso de la muerte (1947), donde encarnaba a un sádico psicópata, murió a los 93 años tras una larga enfermedad.

El actor, que participó en muchos de los clásicos de Hollywood, como El álamo, Asesinato en el Orient Express, Vencedores o vencidos y Noche en la ciudad, entre otras, debutó en el cine en 1947 con El beso de la muerte, cinta por la que logró el Globo de Oro y su única candidatura al Oscar -como mejor actor secundario-, actuó en más de 70 películas a lo largo de más de cuatro décadas. Ese papel, el del asesino Tommy Udo, que fue su debut en el cine, lo convirtió en todo un icono del Séptimo Arte.

"El sadismo de ese personaje y la risa inquietante convirteron a Widmark en la persona más terrorífica de la gran pantalla", escribió el crítico David Thompson en The Biographical Dictionary of Film. "¡Esa maldita risa mía!", dijo el actor en 1961. "Durante los dos años siguientes a la película, no me permitieron ni sonreír. El personaje era una bestia ridícula". En el filme, el personaje de Widmark ataba a una anciana en su silla de ruedas con el cable de una lámpara y la empujaba a la muerte tras tirarla por unas escaleras.

Widmark, un hombre callado y tímido, hizo papeles de asesino, policía y pistolero del lejano oeste. Sin embargo, odiaba las armas: "Sé que he dedicado la mitad de mi carrera a la violencia, pero aborrezco la violencia", declaró en 1976. "Soy ferviente partidario del control de armas. Me parece increíble que seamos la única nación civilizada que no ejerce un control efectivo sobre las armas".

Widmark llegó en 1938 a Nueva Cork, durante el apogeo de la radio y con su suave voz se hizo favorito de las radionovelas. Rechazado por el Ejército por una perforación en el tímpano, se inició en el teatro en 1943. Su primera obra fue una comedia en Broadway, Kiss and Tell, y pronto saltó al estrellato. Entre 1957 y 1964 apareció en 20 películas de Fox que incluyen La calle sin nombre, Cielo amarillo, Luchas submarinas, Pánico en las calles y Sin escape. En 1952 protagonizó Don’t Bother to Knock con Marilyn Monroe y años después dijo en una entrevista sobre la legendaria actriz: "Ella quería ser una gran estrella pero la actuación la aterrorizaba. Por eso siempre llegaba tarde, no podía llegar al plató. Tenía problemas para recordar sus líneas. Pero nada de eso importaba. Con muy pocas personas especiales algo sucede entre la lente y el filme que es magia pura... Y ella realmente lo era". Tras dejar Fox, la carrera de Widmark siguió floreciendo. Estelarizó El Álamo con John Wayne, actuó con James Stewart en Dos cabalgan juntos, hizo de fiscal en Vencedores o vencidos y trabajó con Robert Mitchum y Kirk Douglas en The Way West. También tuvo papeles en Asesinato en el Expreso de Oriente y Coma, entre otras. Richard Widmark nació el 26 de diciembre de 1914 en Sunrise, Minnesota, donde su padre operó una tienda antes de convertirse en vendedor. La familia se mudó varias veces antes de establecerse en Princeton, Illinois. Cuando no trabajaba, Widmark y su esposa vivían en una hacienda en Hidden Valley, California, o en una granja en Connecticut. Su último trabajo en la gran pantalla fue True colors, en 1991, junto a John Cusack.

martes, 25 de marzo de 2008

REMATAN RETRATO DE CARLA BRUNI


Cuando aún no han dejado de sonar las campanas de la boda de Cécilia Ciganer, ex del presidente francés Nicolas Sarkozy, saltó la noticia de que un retrato desnudo de la primera dama de Francia, la modelo y cantante Carla Bruni, será subastado el próximo mes en Nueva York, más de una década después de que la italiana posara para un fotógrafo famoso.

Tomada por el suizo Michel Comte en 1993, la fotografía que subastará la casa Christie´s el próximo 10 de abril muestra a Bruni de pie, en una pose que recuerda los cuadros del pintor postimpresionista francés George Seurat. Christie´s defendió su decisión de poner en venta el desnudo de una primera dama en ejercicio al describir a la actual esposa del presidente Nicolas Sarkozy como «una de las mujeres más bellas del mundo». «Es una obra de arte. Fue tomada en 1993, cuando Bruni era modelo y es un retrato desnudo de excelente gusto, realizado por un artista reconocido y respetado», dijo a Afp Milena Sales, portavoz de la prestigiosa casa de subastas. La fotografía en cuestión tiene un valor estimado de 4.000 dólares. Saldrá a la venta junto a otras obras de artistas tan famosos como Helmut Newton, Herb Ritts, Richard Avedon o Leni Riefenstahl, incluyendo retratos de otras modelos como Kate Moss y Naomi Campbell. El presidente francés se casó en febrero pasado con la ex modelo y cantante Carla Bruni, a la que conoció poco después de divorciarse de su ex esposa.

Parece que el pasado de la primera dama, que se casó en febrero con el presidente galo, vuelve con fuerza a su presente creando de una manera u otra la polémica en torno a su estupenda figura.

sábado, 22 de marzo de 2008

Carla Bruni

Carla Bruni Quelqu'un m'a dit

Carla Bruni - L'amour (Live)

jueves, 20 de marzo de 2008

zz


miércoles, 19 de marzo de 2008

lunes, 10 de marzo de 2008

bob


sábado, 8 de marzo de 2008

JUAN CARLOS CÁCERES

Juan Carlos Cáceres dio inicio a su labor en la fotografía de prensa cuando se produjeron las primeras protestas contra la dictadura militar. De ahí pasó a ilustrar las páginas del Fortín Mapocho, el principal bastión contra la dictadura de Pinochet. Durante seis años, Cáceres estuvo al frente de las protestas, así como de los primeros encuentros entre las cúpulas de los partidos que dieron vida a la Concertación, junto a Aylwin, Gabriel Valdés, Enrique Silva Cimma y tantos otros que contribuyeron a reestablecer la institucionalización democrática.

Como gráfico de aquel importante medio, estuvo en las maratónicas jornadas del “Chile Crea”, encuentro del Arte y la Cultura al cual vino Norman Mailer, William Styron, Yves Montand, Eduardo Galeano y tantas figuras estelares que ayudaron a movilizar la acción para el plebiscito del 5 de octubre de 1988, en el cual se dio la principal batalla al régimen de Pinochet. Por cierto, como tantos otros, sufrió las inclemencias de aquellos tiempos y resultó detenido en varias ocasiones.

Muchas de las fotografías de Juan Carlos de aquella época se exhiben actualmente en un salón del Archivo Nacional. Aquí ofrecemos unos links a los sitios donde pueden encontrar parte de la testimonial obra de Juan Carlos Cáceres. Imágenes de la Resistencia